2025 vient à peine de commencer mais cela semble déjà beaucoup. Les incendies de forêt provoqués par le changement climatique continuent de ravager Los Angeles et certaines parties du sud de la Californie, tandis que l’inquiétude règne. Un moment de transition d’un côté au moins de l’Atlantique pour nos lecteurs américains engendre l’appréhension, et le reste de l’année peut paraître inquiétant si vous prêtez attention aux gros titres.
C’est dans des moments comme ceux-ci qu’il est agréable d’avoir un film réconfortant, un morceau d’évasion, qui peut remonter le moral et peut-être raffermir vos perspectives pour les jours et les mois à venir. Voici quelques suggestions qui, selon nous, pourraient plaire à tous ceux qui se sentent maussades en ce moment…
Les Aventuriers de l’arche perdue (1981)
Les années 1930 n’étaient certainement pas une « époque plus simple ». La Grande Dépression a atteint son cratère le plus profond aux États-Unis et le fascisme était en marche en Europe, culminant avec le début de la Seconde Guerre mondiale. Mais les divertissements, des comédies musicales de Fred Astaire et Ginger Rogers aux vieilles séries du samedi matin, pourraient être incroyablement simplistes et rassurants. George Lucas a ressuscité cette certitude avec enthousiasme à travers le personnage d’Indiana Jones, et Steven Spielberg l’a rendue intemporelle lorsqu’il a réalisé le premier et les trois meilleurs films d’Indy dans les années 1980, en commençant par Les aventuriers de l’arche perdue.
Un retour délibéré aux feuilletons des années 30 et à la littérature d’aventures pour garçons qui les a inspirés, Raiders est le chef-d’œuvre d’action qui a établi la norme en matière de rythme des blockbusters modernes alors que l’archéologue d’Harrison Ford fait le tour du monde à la recherche de l’Arche d’Alliance. Oh, et en cours de route, il frappe, tire et brutalise un groupe de nazis qui brûlent des livres et adorent une secte. Ce qui est sympa.
Le son de la musique (1965)
Pour la magie de l’évasion pure, il n’y a pas de genre plus transportant ou plus joyeux qu’une comédie musicale bien faite. Le crescendo fulgurant d’une belle chanson, interprétée de manière exquise par un talent magnifique, fait rêver Broadway et Hollywood. Et vous obtenez les trois dans les premières minutes de Robert Wise. Le son de la musique la rare adaptation d’un spectacle de Broadway qui améliore la version scénique. Toutes les chansons classiques de Rodgers et Hammerstein sont ici, mais dans le film, Julie Andrews dit « les collines sont vivantes » juste au sommet des Alpes autrichiennes !
Ce moment inoubliable ouvre la voie à un spectacle épique en 70 mm qui s’envole alors que la nonne capricieuse d’Andrews, sœur Maria, assume la tâche de tuteur, de soins et, finalement, de devenir mère de sept enfants précoces de von Trapp. La romance entre elle et le sévère capitaine von Trapp (Christopher Plummer) est à la fois schmaltzy et digne d’un évanouissement, et ses leçons auditives sont radicales. Oh, et cette adaptation libre de la fuite réelle de la famille von Trapp devant les nazis après la prise de contrôle de l’Autriche par les marcheurs de l’oie comprend un troisième acte dans lequel les von Trapp déjouent une bande de fascistes et en laissent un sur une jeune chemise brune avide d’humiliation. Ce sont quelques-unes de mes choses préférées.
Les frères Blues (1980)
Des jours comme celui-ci, ça fait plaisir de savoir que des gens comme Jake et Elwood Blues sont là. Des frères qui, à la bonne occasion, peuvent être sollicités pour partir en mission auprès de Dieu. C’est leur destin de répandre l’évangile de la bonne musique, de meilleures vibrations et d’un cinéma de bien-être dans le monde entier. Ray Charles, James Brown, Cab Calloway et la superbe Aretha Franklin (pour n’en citer que quelques-uns) sont également sur place pour abandonner quelques standards de jazz et de R&B entre les hijinks comiques entrepris par John Belushi et Dan Aykroyd au sommet de leur cool.
John Landis réalise la première (et toujours la meilleure) adaptation cinématographique d’un SNL sketch, qui élargit le concept d’anciens camarades de casting portant des lunettes de soleil dans un film de rencontre décontracté où Aykroyd et Belushi se promènent dans la grande région de Chicago. En chemin, ils forment un groupe, énervent les rednecks et dirigent joyeusement les forces de l’ordre locales à travers l’une des plus grandes séquences de poursuite en voiture de tous les temps. Wacker Drive pourrait tout aussi bien être renommé en leur honneur. De plus, n’oublions pas qu’ils détruisent une manifestation néo-nazie avec la Bluesmobile, ce qui amène quelques fascistes américains à les poursuivre pendant le reste du film jusqu’à ce que les Blues boys trompent les chemises brunes pour qu’elles s’effondrent jusqu’à la mort. De bons moments partout.
Casablanca (1942)
Livre pour livre, c’est toujours le plus grand film réalisé au cours de l’âge d’or d’Hollywood, celui de Michael Curtiz. Casablanca est une collection vertigineuse de citations de films de tous les temps, gracieuseté d’un scénario de Julius et Philip G. Epstein et Howard Koch. « Je te regarde, gamin; » « tout le monde vient chez Rick ; » « nous aurons toujours Paris » ; « de tous les gin-joints de toutes les villes du monde entier, c’est elle qui entre dans le mien ; » « rassemblez les suspects habituels ; » « Louie, je pense que c’est le début d’une belle amitié ; » « joue (encore), Sam. » Et bien plus encore !
Mais au-delà d’un scénario plein d’esprit et nostalgiquement romantique, Casablanca est toujours un mélodrame de la Seconde Guerre mondiale sur les problèmes de trois petites personnes, dont l’une (Ingrid Bergman) pensait que son mari était mort dans un camp de concentration lorsqu’elle a rencontré Rick (Humphrey Bogart), pour retrouver son mari (Paul Henreid) de retour à alors qu’ils tentent tous d’échapper aux bottes dans le Maroc contrôlé par Vichy. Également publié pendant la guerre, et à une époque où les nazis occupaient encore Paris et l’Afrique du Nord, on ressent une émotion brute et tangible lorsque le casting composé d’Européens en grande partie expatriés, dont l’actrice française Madeleine Lebeau, chante l’hymne national français, « La Marseillaise, » en noyant les fascistes dans une boîte de nuit. Ça fait encore mal à la gorge d’entendre Lebeau crier : «Vive la France ! Vive la liberté !»
Les producteurs (1967)
La comédie musicale emblématique de Mel Brooks sur ce qui pourrait arriver si vous essayiez de gagner plus d’argent avec un flop qu’avec un hit – et ce qui pourrait à son tour arriver si ce flop devenait un succès –Les producteurs est entré dans la légende. C’est un film sur la pire peur de tout arnaqueur et escroc : et si la facture arrivait à échéance ? Zero Mostel et Gene Wilder forment un duo emblématique en tant que producteurs sans scrupules de Broadway qui tentent de bavarder, de lancer et de cajoler leur chemin vers l’échec financier et se retrouvent à la place dans Sing Sing pour leurs méfaits. (C’était l’époque.)
On se souvient surtout du film pour avoir tenu l’engagement de toute une vie de Mel Brooks de « faire rire le monde d’Adolf Hitler ». Les rires que nous entendons encore dans « Le Printemps pour Hitler » sont la preuve qu’il a réussi à l’époque et qu’il est rassurant aujourd’hui. Pourtant, aujourd’hui, vous pourriez tirer autant de plaisir du vieux nazi de Kenneth Mars en colère contre tout le monde qui se moque de son idole d’homme fort.
Le Rocketeer (1991)
Pas un succès financier à sa sortie, celui de Joe Johnston Le fusée a résisté à l’épreuve du temps en tant que véritable classique culte en raison de son optimisme sincère et de sa douce affabilité. Nous imaginons l’une des partitions les plus sentimentales et américaines de James Horner – et c’est le gars qui a remporté son Oscar pour ses compositions déchirantes dans Titanesque! — j’ai fait beaucoup de chemin pour cultiver ce sentiment. Mais le film tout entier puise dans une véritable salubrité, peut-être même plus que ses influences évidentes d’Indiana Jones.
Celui-ci adapte la série de bandes dessinées des années 1980 de Dave Stevens et évoque également l’attrait des bandes dessinées et des émissions de radio des années 1930 et 40 avec son héros pulp délibérément rétro dans le casque art déco et le décor hollywoodien de l’âge d’or. Là, il affronte le remplaçant parfait d’Errol Flynn de Timothy Dalton, qui (surprise !) est en fait un saboteur nazi secret déterminé à voler la fusée de Howard Hughes. Heureusement, le pilote américain Cliff Secord (Billy Campbell) et sa meilleure amie, la starlette de cinéma Jenny Blake (une va-va-voom Jennifer Connelly), se mettent en travers de son chemin. Ils font même participer le mafieux local Eddie Valentine (Paul Sorvino) à l’acte. « Je ne gagne peut-être pas d’argent honnêtement », bouillonne Sorvino, « mais je suis Américain à cent pour cent. Je ne travaille pas pour un quelconque nazi. C’est un bon sentiment.
X-Men : Première classe (2011)
Un autre film de super-héros un peu plus moderne dans son décor et sa réalisation, celui de Matthew Vaughn. X-Men : Première classe se sent étrangement sous-estimé ces jours-ci. Cela pourrait être dû au fait que même en 2011, le genre des super-héros s’orientait vers des fantasmes interconnectés plus farfelus. Pourtant, l’une des meilleures choses à propos de Première classe est que malgré toute sa mousse, il garde un pied dans quelque chose qui se rapproche du monde réel, du moins par le biais des films de Sean Connery James Bond des années 1960.
Se déroulant pendant la crise des missiles de Cuba en 1962, Première classe a fait le « retour aux jours de gloire de Marvel Comics » environ 14 ans avant le prochain Les Quatre Fantastiques film, et il l’a fait avec un véritable souci du détail lorsqu’il s’agissait d’imiter la culture pop de l’époque, voire la réalité. C’est également la meilleure exploration du vaisseau ennemi de Charles Xavier et Magneto sur tous les supports (joué ici jeune et peut-être coquettement par James McAvoy et Michael Fassbender).
Il présente également un moment absolument dur à cuire où Fassbender transforme Magneto en un anti-héros à part entière. Faisant de son mieux l’imitation de Connery, le survivant de l’Holocauste entre dans un bar argentin et parle joyeusement allemand avec certains locaux avant de se voir demander quel était le nom de ses parents par une clientèle plus âgée. «Ils n’avaient pas de nom», sourit Fassender. «Il leur a été confisqué par des éleveurs de porcs et des tailleurs.» Il montre ensuite les numéros de série tatoués sur son bras à des hommes qui prétendent se cacher en Amérique du Sud simplement pour cultiver et confectionner des vêtements. Ce qui se passe ensuite est extrêmement satisfaisant…
Basterds sans gloire (2008)
« Vous avez probablement entendu dire que nous ne faisons pas de prisonniers ; nous sommes en train de tuer les nazis », ronronne Brad Pitt avec un accent des Appalaches douteux mais merveilleux. « Et cousin, les affaires sont en plein essor! » Tel est le pur frisson dopaminergique des soi-disant « Basterds », les hommes titulaires en mission dans le sixième film de Quentin Tarantino. Mais malgré cette fierté de placer le titre, il ne faut pas s’y tromper. Ils ne sont qu’une décoration ornée sur le dessus ; glaçage sur le gâteau.
Basterds sans gloire est en réalité un vaste ensemble de vies et d’histoires qui se croisent dans la France occupée par les nazis vers 1944. Le film suit des soldats, des critiques de cinéma infiltrés, un officier SS ingénieusement joué de l’enfer (Cristoph Waltz), et enfin une femme juive (Mélanie Laurent) qui s’est échappée. le meurtre de sa famille et vit désormais à la vue de tous en tant que propriétaire de cinéma gentil à Paris. C’est un fantasme sur le pouvoir réparateur du cinéma et la beauté éphémère de l’évasion. Pourtant, il s’agit aussi de tuer des nazis. Il y en a beaucoup. Et parfois avec une batte de baseball.
