Peu de cinéastes ont mieux pris le pouls de l’air du temps américain que John Hughes dans les années 1980. Ancien rédacteur publicitaire et fils d’un vendeur de Chicago, également nommé John Hughes, le désormais légendaire scénariste et réalisateur s’est fait connaître au milieu et à la fin du 20e siècle en reconnaissant ce que le public voulait voir et entendre. Et parfois ce qu’ils avaient besoin de ressentir.
C’est ce don qui lui a permis de passer du travail au noir en tant qu’écrivain de blagues pour des stand-ups comme Rodney Dangerfield à l’écriture de véritables films de comédie – et en les mêlant parfois à une sentimentalité émotionnelle qui, si elle n’est pas universellement vraie, semble presque toujours authentique. Les comédies des années 80 qu’il a écrites et réalisées, notamment (1984), (1985) et (1986), sont toujours regardées et célébrées à ce jour autant pour leurs moments de sérieux (comme lorsqu’Alan Ruck démolit la Ferrari de son père négligent) que pour leurs blagues.
Cela est également vrai pour ce qui est sans doute l’effort de réalisation le plus intemporel de Hughes : le seul « film de Thanksgiving » (1987) qui a fait l’objet d’un consensus. Une photo classique de copain à deux sur un couple étrange endurant un road trip impromptu (et l’un pour l’autre), juste à temps pour ces vacances entièrement américaines de dindes et de purée de pommes de terre, est hilarante. Comment cela ne pourrait-il pas être le cas alors qu’il place Steve Martin et John Candy au sommet de leurs talents comiques et de leur popularité ? Le film les oblige ensuite à jouer les uns avec les autres comme l’huile et le vinaigre, car leurs personnages partagent les mêmes modes de transport, les mêmes chambres d’hôtel, les mêmes ensembles de serviettes de bain, et enfin même un lit. L’exaspération indignée irradiant du regard toujours plus flétri de Martin et de la personnification par Candy d’un câlin d’ours est du beurre de cacahuète et de la gelée comique.
Pourtant, la raison pour laquelle le film continue de s’attarder auprès des familles, Thanksgiving après Thanksgiving et génération après génération, est bien plus que de simples beurk. Le film a une résonance émotionnelle et une âme ; c’est peut-être même le scénario le plus adulte de Hughes, car les problèmes qui alourdissent réellement ces hommes sont plus complexes que les rendez-vous du bal ou les personnes avec qui vous êtes assis au déjeuner.
Il s’avère que Del Griffith de Candy est veuf, et plus triste que cela, qui ressent si profondément la perte de sa femme qu’il a choisi de vivre en permanence sur la route. Il n’a pas de maison et donc nulle part où passer Thanksgiving. Pourtant, il brise son keester de bonne humeur (bien qu’inconscient et impoli) afin de ramener Neal Page, le père de la famille de Martin, à la maison pour Thanksgiving. Et le plus miraculeusement de tout, la manière poignante dont tout cela est révélé a été une correction de dernière minute en post-production où Hughes a utilisé des images dont Martin ignorait même qu’elles avaient été filmées afin de créer la plus grande catharsis émotionnelle de l’image.
John Hughes, Steve Martin et une belle expression
était probablement l’un des films les plus personnels de la carrière de Hughes. En plus du film mettant en vedette un publicitaire (Martin’s Neal) effectuant le vol de banlieue brutal entre New York et Chicago, le film était également vaguement basé sur le pire Thanksgiving de la vie du cinéaste. À l’époque où il était rédacteur, Hughes avait vraiment l’intention de passer seulement un après-midi à New York avant de rentrer chez lui à Chicago pour les vacances. Au lieu de cela, il a enduré cinq jours de route en raison de retards météorologiques, ce qui l’a conduit jusqu’à Phoenix, en Arizona. Durant ces épreuves et tribulations, il a passé la majeure partie de ses vacances avec un vendeur qui avait déjà tout vu.
Il n’est pas difficile d’imaginer que Del et Neal représentent deux facettes de la personnalité de Hughes : le vendeur las du monde, qui, comme le propre père de Hughes, avait ce contact humain qui pouvait se connecter avec n’importe qui, et, eh bien, le gars qui vit dans l’élite. banlieue de Chicago et qui préférerait simplement rester à la maison pour les vacances. Pour le film, Hughes a choisi deux acteurs qu’il admirait incroyablement, l’un avec lequel il avait déjà travaillé dans Candy et l’autre dont il avait observé la carrière de loin.
« Je pensais que Steve Martin était l’homme le plus drôle du monde », a déclaré Hughes en 1987 (via l’histoire orale du film). « Il a été le premier véritable comédien de rock-and-roll à apparaître dans des arènes et non dans de petits clubs. J’étais donc un peu impressionné lorsqu’il est venu chez moi pour une réunion pour .
C’est peut-être vrai, mais Martin est connu dans l’industrie à la fois pour son perfectionnisme précis et, selon certaines personnes, pour une distance professionnelle qui, rétrospectivement, n’était peut-être pas un choix naturel pour un sentimentaliste sans vergogne comme Hughes. Selon le journaliste de cinéma Tim Appelo (via ), l’ancien collègue de Martin, Tom Smothers, a un jour fait remarquer : « Passer du temps avec (Martin), c’est comme être seul. » Cela signifiait que même si Martin était un génie de la comédie et de l’improvisation, il contrôlait toujours la façon dont il jouait les personnages. Martin, l’acteur, a déterminé à quel point il aimait révéler sur le plateau, ce qui était apparemment peu.
En repensant à son travail avec Martin, Hughes aurait déclaré : « Vous dites : « Eh bien, Steve, pourquoi ne fais-tu pas ça, pourquoi ne fais-tu pas » – il fait ce qu’il veut faire, vous savez ? Quand il s’agissait d’obtenir de l’énergie comique en jouant avec Candy, cela pouvait être de la dynamite, mais il n’y a jamais eu un moment où Martin a été pris au dépourvu ou aussi vulnérable émotionnellement que Hughes le souhaitait.
Cela a changé le jour où, entre les scènes, Hughes a dit à son directeur de la photographie de filmer Martin à l’insu de l’acteur. Martin se préparait tranquillement pour la scène qu’ils étaient sur le point de tourner, et Hughes voyait dans la calme réflexion de l’acteur le type de vulnérabilité dont il avait besoin pour ses films.
«Steve avait une très belle expression sur son visage, parce que ce qu’il faisait, c’était essayer d’apprendre son texte. Il réfléchissait à ses répliques », a déclaré Hughes à Appelo. « Ce (regard) profond qui, dans le contexte, donne l’impression qu’il était troublé. » Hughes l’a filmé sans la permission ni au courant de Martin, et sans savoir s’il l’utiliserait un jour. Cette décision s’avérerait cruciale pour fixer la fin de .
Fins modifiées et édition astucieuse
Alors que le film de vacances bien-aimé est désormais regardé chaque année comme une odyssée légère de 93 minutes, il existe un montage du réalisateur célèbre « perdu » qui dure bien plus de deux heures. Le montage d’origine durait encore plus près de quatre heures. Et quand il a fallu trouver le film enfoui à l’intérieur, Hughes s’est rendu compte que, comme prévu, la fin ne fonctionnait pas.
Dans sa version originale, Martin’s Page n’a pas l’empathie perspicace nécessaire pour comprendre que Del a menti au sujet de sa femme qui l’attendait à Chicago. Au lieu de cela, lorsque Neal dit au revoir à Del pour la énième fois et monte dans un train surélevé de Chicago pour rentrer chez lui, il trouve Del qui l’attend à la gare suivante. L’humanité de Del n’est pas reconnue par un nouvel ami ; c’est avoué de manière suppliante lorsqu’un Neal enragé demande à savoir pourquoi ce type le suit chez lui. Alors Del admet à contrecœur que sa femme est morte. En fin de compte, et par pitié, Neal invite Del à Thanksgiving, et nous passons beaucoup plus de temps dans le scénario à rencontrer tous les nombreux proches de Neal et à profiter de leur dîner ultérieur.
Martin regrette une partie de ce qui a été supprimé dans le montage final, y compris un long et sincère discours de Del sur la façon dont sa femme était malade lorsqu’ils se sont mariés, et ils espéraient avoir des enfants, mais son état a continué à s’aggraver jusqu’à son décès. Dans une interview en 2021 avec , Martin a déclaré : « Cette scène faisait une page et demie dans le scénario, et dans le film, je pense qu’elle est réduite à trois lignes. Mais il y avait une telle beauté là-dedans, et je n’ai jamais compris pourquoi John avait coupé la scène.
Selon le rédacteur en chef Paul Hirsch, qui a parlé à l’histoire orale du 35e anniversaire, cela avait à voir avec la façon dont le public percevait le personnage de Del.
« Ce discours a fait rire », a déclaré Hirsch à propos des projections tests d’une version de deux heures du film. « Pendant qu’il le livrait, les gens ont commencé à rire, et puis c’est devenu de pire en pire. Nous avons donc concocté une version dans laquelle Steve découvre par lui-même que Candy est sans abri et va le chercher. Dans la version originale, Candy tend une sorte d’embuscade à Steve.
Pour Hughes, c’était apparemment un point plus délicat, en notant que le réalisateur avait déclaré: « J’ai réalisé que je n’aime pas (Del) à la fin… Il est juste passé d’un emmerdeur à un emmerdeur tragique. »
Le fait que Neal se rende compte du sort de Del sans qu’on le lui dise a donné aux deux hommes plus de dignité et a également donné à Neal la bonne grâce d’inviter volontairement Del chez lui pour le dîner de Thanksgiving. De même, en mettant fin à l’épuisement de la famille élargie et à l’hystérie que Hughes avait scénarisée pour la scène finale – des idées qui se retrouveraient dans les scénarios de (1989) et (1990) – le film a pu se terminer sur la chaleur de l’improbable film de Neal et Del. amitié et bons voeux de vacances, par opposition à cet idiot qui se culpabilise dans un dîner de dinde.
Pourtant, il y avait le problème de changer la fin alors que le budget et le temps étaient déjà dépassés. Ces projections tests ont eu lieu en juillet 1987, bien après la fonte des neiges à Chicago, et le film devait sortir en novembre. C’est là que le tournage discret de Martin par Hughes s’est avéré inestimable.
En recadrant le cadre le plus près possible, afin de cacher qu’il n’a pas été filmé dans un train MTA de Chicago, Hughes et Hirsch ont utilisé la vulnérabilité de Martin tout en se préparant mentalement à une scène pour créer la suggestion de Neal reconnaissant son propre manque de cœur et sa cécité tout en réfléchissant. à propos de Del. (Ils ont également utilisé des prises alternatives de Candy à partir d’autres scènes dans un montage ici qui a créé la suggestion d’une lecture plus noble du personnage que celle entrevue précédemment.) Les cinéastes ont également inversé certaines images hivernales de trains de Chicago entrant et sortant d’un plate-forme et a restructuré la scène de Martin réprimandant Candy pour l’avoir suivi. Au lieu de cela, telle que modifiée, la scène se déroule désormais comme si Neal revenait pour Del par véritable inquiétude. Il veut s’assurer que son nouveau copain ait un endroit où aller ce soir.
Le résultat est la catharsis émotionnelle que Hughes recherchait, et peut-être l’émotivité la plus adulte d’une œuvre célébrée pour sa bonne humeur sincère.
