Il n’y a jamais eu d’adaptation totalement fidèle du livre Frankenstein. Bien que ce roman fondateur de 1818 soit souvent considéré comme la naissance de la science-fiction, ainsi que comme l’une des plus grandes œuvres de la littérature gothique jamais écrite, la popularisation de l’histoire par le cinéma a généralement plus à voir avec Universal Pictures et Boris Karloff sous des montagnes de maquillage. que Mary Wollstonecraft Godwin (plus tard Shelley). À l’inverse, les angoisses post-Lumières qu’elle a imaginées lorsqu’elle était adolescente au bord du lac Léman sont restées, comme toujours, sur la page.
Pourtant, une offre cinématographique, au moins, a tenté sérieusement de rendre justice au livre. Et bien sûr, Frankenstein de Mary Shelley était un spectacle déchaîné de Kenneth Branagh lors de sa sortie il y a 30 ans aujourd’hui. Rempli de faste littéraire et d’emphase théâtrale, c’était aussi un film dont la production s’est précipitée afin de capitaliser sur le succès de Dracula de Bram Stoker de deux ans plus tôt (un film qui aurait plus justement pu s’intituler Dracula de Francis Ford Coppola). Le 1994 Frankenstein a retenu Coppola comme producteur actif, bien que frustré, et a été libéré par l’acquisition de TriStar Pictures par Sony Pictures, tout comme Columbia de Sony avait géré la distribution de Dracula et bien d’autres récits éclatants du début des années 1990 de romans emblématiques du 19e et du début du 20e siècle. Pense L’âge de l’innocence (1993) et Petites femmes (1994).
Théoriquement, Frankenstein de Mary Shelley était censé s’adapter parfaitement à ces efforts et à d’autres efforts à la mode vers le prestige littéraire dans l’industrie. En fait, après que Coppola ait choisi de ne pas diriger Frankenstein de Mary Shelleyil a toujours à la barre le nouveau prodige de Shakespeare, Kenneth Branagh, fraîchement sorti Beaucoup de bruit pour rien (1993), et a convaincu le jeune cinéaste de choisir le premier choix de Coppola pour le Monstre de Frankenstein, Robert De Niro. Les attentes se sont ensuite encore accrues lorsqu’Helena Bonham Carter, le visage non officiel de films de Merchant Ivory comme Une chambre avec vue (1985) et Fin Howards (1992), a signé pour jouer le rôle d’Elizabeth Frankenstein, la cousine du personnage principal Victor, et de son éventuelle épouse condamnée.
Tous ces ingrédients, plus l’attrait largement inexploité du roman de Mary Shelley, auraient dû produire un film au moins aussi séduisant et inoubliable que celui de Coppola. Draculaqui l’aime ou le déteste, a résisté à l’épreuve du temps 32 ans plus tard. Et en principe, celui de Branagh Frankenstein est plus proche de son matériau source que la bacchanale de vampire de Coppola ne l’a jamais fait.
En revanche, la plupart des adaptations de Frankenstein avant Branagh ont choisi de reprendre l’idée centrale du rêve troublant de Mary : un scientifique est poussé à la folie par son désir de vaincre la mort et de réanimer un cadavre construit à partir de divers cadavres. Cependant, peu d’autres éléments du roman parviennent à l’écran. Dans la version la plus célèbre de l’histoire, le film Karloff réalisé par James Whale, même le nom du scientifique est erroné, Victor Frankenstein ayant été rebaptisé « Henry Frankenstein », soi-disant parce qu’un producteur d’Universal pensait que « Victor » sonnait trop allemand après. Première Guerre mondiale.
Pendant ce temps, le deuxième cycle le plus célèbre de films de Frankenstein, ceux produits par la société britannique Hammer Films dans les années 1950 et 1960, s’éloignait encore plus de Shelley. Alors que le monstre de Karloff était au moins innocent comme son homologue littéraire est présenté, les différentes créatures qui apparaîtraient dans les nombreuses suites de Hammer étaient interchangeables dans leurs grotesques faciaux et leurs stupidités vides. Il s’agissait d’accessoires utilisés par Victor Frankenstein (Peter Cushing) de ces films, qui, tout en portant le même nom que le personnage du livre, était ici moins un chercheur de connaissances égaré qu’un sadique vaniteux qui se mêlait à la mégalomanie et au viol.
C’est à partir de cette tradition aléatoire que Branagh a cherché à faire mieux, en travaillant à partir d’un scénario qu’il avait personnellement bricolé, mais qui avait été écrit à l’origine par Steph Lady et La rédemption de Shawshank réalisateur Frank Darabont (dont ce dernier a accusé Branagh d’avoir ruiné son scénario). Et dans ces pages se trouvait une compréhension fidèle de Victor Frankenstein, le jeune et enthousiaste étudiant en médecine vivant dans la Suisse du XVIIIe siècle.
Par ce seul détail, Frankenstein de Mary Shelley se démarque comme l’une des rares adaptations à respecter le cadre et la période, le roman agissant en grande partie comme un flash-back donné par un Victor mourant alors qu’il se souvient de sa folie de jeunesse pendant la glorieuse époque des Lumières que la vraie Mary Wollstonecraft Godwin a grandi. jusqu’à idolâtrer. Après tout, le père de l’auteur était le philosophe des Lumières William Godwin et sa mère la leader des droits des femmes, Mary Wollstonecraft.
Branagh copie même le dispositif de cadrage du roman de Mary, avec l’histoire commençant près du cercle polaire arctique dans les années 1810 lorsqu’un capitaine de navire déterminé à découvrir le pôle Nord trouve son navire échoué dans les glaces où un étrange homme imposant est poursuivi par Victor, à moitié mort et âgé, à travers des déchets gelés.
De là, Frankenstein de Mary Shelley répète de nombreux points de l’intrigue du roman, avec Victor partiellement inspiré pour découvrir les secrets de la vie et de la mort après avoir perdu sa mère avec sympathie, pour ensuite être dégoûté par la créature à laquelle il donne naissance, l’abandonnant aux éléments après son ouverture ses yeux jaunes. Hélas pour Victor, il ne meurt pas. Au lieu de cela, il devient conscient du monde et amer d’avoir été abandonné à la cruauté et aux préjugés de l’homme en raison d’une apparence inconvenante… un ressentiment qui devient mortel lorsque le monstre assassine le jeune frère de Victor et accuse une servante/nounou bien-aimée de la maison Frankenstein d’être coupable de cet acte. .
Après qu’elle ait été injustement pendue, la Créature et Victor entrent dans une série de tête-à-tête croissant, la Créature exigeant que Victor lui construise un compagnon qui ne le quitterait jamais. Au début, Victor accepte mais revient ensuite. Finalement, le Monstre assassine l’épouse de Victor lors de leur nuit de noces, la cousine bien-aimée Elizabeth, déclenchant une rivalité éternelle qui les emmène jusqu’au pôle Nord.
Il s’agit d’une histoire épique, qui parle moins de l’homme qui s’adonne à des connaissances interdites ou de la province de Dieu – ce qui est souvent ce que retiennent ses successeurs, qu’il s’agisse des films Karloff d’Universal ou de Parc Jurassique… et davantage sur la responsabilité d’un parent envers son enfant. Ou celui d’un homme envers sa famille. Car qu’est-ce que Victor sinon un père absent qui abandonne son nouveau-né ? Son héritier aurait peut-être même eu la capacité d’aimer, puisque nous avons vu ce misérable sans nom venir raffoler d’une famille dans le désert. Et grâce à ces gens bienveillants, il apprend la philosophie et comment lire Paradis perdu… ou du moins c’est ce qui se passe dans le roman de Shelley, qui se préoccupe de comparer la créature à une combinaison d’Adam et de Lucifer de John Milton, des créatures de Dieu qui succombent au péché et à la tentation lorsqu’elles ne sont pas correctement prises en charge par leur Créateur.
Alors que la plupart des films regardent Frankenstein comme un récit édifiant sur les dangers de la science, et même Shelley l’a initialement intitulé Le Prométhée modernele Frankenstein littéraire parle davantage d’un scientifique assumant la responsabilité de sa création, comme un père devrait le faire pour son fils. Cependant, si vous n’avez vu que les films de Frankenstein, dont celui intitulé Frankenstein de Mary Shelleyon vous pardonnera peut-être de manquer cette distinction, car à vrai dire, le film agit comme un récit édifiant à part entière : d’une part, il offre une leçon sur les limites de l’adaptation fidèle d’un roman, et d’autre part, il prouve une fois de plus qu’être fidèle à la lettre d’un roman ne signifie pas que vous en capturiez l’esprit.
Presque tous les points de l’intrigue mentionnés ci-dessus apparaissent dans le film de Branagh, qui est recréé avec de magnifiques costumes d’époque du XVIIIe siècle et des décors coûteux. Cependant, le film n’est jamais tant préoccupé par la profondeur du livre que par le spectacle qu’offre son récit.
En se présentant de manière douteuse à 34 ans comme un nouvel étudiant en médecine, Branagh se transforme en Frankenstein dans un projet vaniteux où le film parle moins de l’abandon du monstre que du génie de Victor, et sans doute aussi de la perception que Branagh a de lui-même. Le film fétichise le physique torse nu de Branagh dans les plusieurs scènes de résurrection, avec la métaphore de la création de la vie prenant le caractère criard des graffitis du lycée puisque la machine de Victor dans le film se résume à un pénis géant et à des testicules qui remplissent sa création de vie, une source de vie. énergie qui laisse De Niro et Branagh trempés dans le liquide amniotique.
Le film tout entier est tout aussi brutal avec la caméra tournant autour de Branagh, Carter et du joueur de soutien Tom Hulce. Même si les plans tournants peuvent être enivrants lorsqu’ils sont utilisés de manière sélective (les scènes de grande romance entre Victor et Elizabeth atteignent en effet une qualité évanouie), l’esthétique est utilisée dans chaque scène du film n’impliquant pas le Monstre, que les personnages soient à une fête ou en train de pleurer. sur le corps d’un enfant mort. Au fil du temps, cela devient odieux et finalement épuisant.
Cela correspond à l’excès mélodramatique accru auquel Branagh maintient tous ses acteurs pour presque chaque scène, ce qui donne au film plus un essoufflement histrionique qu’à quoi que ce soit qui se rapproche du grand opéra. Et à un certain niveau, Branagh en est peut-être conscient puisque les éléments du camp sont réduits au minimum pendant la meilleure séquence du film, qui, comme le roman, parle simplement d’un monstre essayant de se frayer un chemin dans le monde.
Les scènes de la créature de De Niro (ou « l’homme aux traits prononcés » comme il est crédité comme dans l’affiche du casting) se cachant dans les vides sanitaires d’une masure d’une famille pauvre et apprenant aux côtés des enfants à lire avec un gentil grand-père (Richard Briers) sont le point culminant. du film. C’est à ce stade du livre que Frankenstein devient en réalité la tragédie de la création du scientifique, plutôt que ses propres malheurs personnels.
Pourtant, le film ne fait jamais vraiment ce saut, le Monstre de De Niro restant secondaire par rapport à la vision de Branagh de Victor en tant que héros mythique. De plus, le film est également toujours redevable à Universal Pictures et aux décennies d’imitateurs qui ont suivi. La créature de De Niro n’est jamais autorisée à atteindre la conscience philosophique et le poids byronique de la créature littéraire de Shelley. Le film présuppose que le public n’acceptera tout simplement pas un monstre aussi bavard et émouvant que celui de Shelley. Au lieu de cela, il maintient les cicatrices faciales de Karloff et la livraison chancelante de la ligne. La fiancée de Frankenstein (1935).
Même après avoir fait un effort conscient pour rompre avec un siècle de tradition hollywoodienne, Frankenstein de Mary Shelley reste piégé par lui. Cela inclut le film qui finit par tâtonner sa seule brillante innovation du livre : après que la créature ait assassiné Elizabeth, Victor décide dans le film de ressusciter son corps quelques heures plus tard. Mais l’Elizabeth qui lui revient de la mort n’est plus la même, et le traumatisme l’amène à se détruire à nouveau. C’est conceptuellement un ajout brillant, mais le film de Branagh est encore trop intéressé à surpasser l’horreur corporelle noueuse de Hammer Horror, et à se concentrer sur la propre douleur de Victor alors qu’il se bat pour la renaissance d’Elizabeth avec sa créature, par opposition à celle de la femme prise au milieu.
Cela devient une sorte de reprise trash et maudlin de l’ingénieux La fiancée de Frankensteinmalgré le fait que le film de Branagh donne théoriquement plus d’action à « la Mariée » que Whale ne l’a jamais fait.
C’est peut-être là, en fin de compte, le grand paradoxe et le problème de l’adaptation Frankenstein. En ce qui concerne la culture pop, le récit définitif de cette histoire n’est pas un cauchemar du début du XIXe siècle imaginé par un adolescent par une nuit sombre et orageuse ; c’est un talkie noir et blanc avec un maquillage emblématique. Et s’éloigner de cet héritage reste un problème presque insurmontable.
Peut-être que ça devrait l’être. Bien que les deux films de Whale avec Karloff ignorent plus ou moins de tout cœur le roman de Shelley, et interprètent même mal sa compréhension de l’orientation de la science d’une manière plus conforme à la moralité américaine moyenne du début du 20e siècle, ils capturent toujours la véritable essence du livre : la Créature. est un innocent qui pourrait être heureux de jouer avec un enfant au bord d’un lac ou de boire du vin avec un ermite aveugle, si le monde lui en donnait simplement une chance.
La façon dont la créature de Karloff est dessinée et présentée ne pourrait jamais être confondue avec l’Adam de Milton. Mais il ne pourrait jamais non plus être confondu avec Robert De Niro dans un film gaspillant terriblement ses talents de lourdaud. De cette façon, ils représentent tous deux le paradoxe d’une adaptation fidèle et comment un film qui ne présente presque aucune similitude avec les lettres de son matériel source peut être bien plus proche de son esprit que celui qui arbore le nom de l’auteur au-dessus du titre.
