commence par une carte de titre et la définition classique d’un « Nirmati ». Nirmati est un mot népalais, ainsi que le propre terme du jargon du film, pour « créateur ». Comme chez l’architecte de l’intelligence artificielle. C’est un excellent élément de construction du monde pour le film. Dès le saut, nous sommes immédiatement plongés dans un détail crucial tout en plongeant nos orteils dans le bassin d’immersion du film de science-fiction. Pourtant, lorsque cette piscine se révèle être un océan et que chaque recoin et exosquelette robotique invite le public à couler ou à nager dans cette vaste vision de demain, on se demande si le film n’aurait pas été mieux servi en commençant par un glossaire. . Cela aurait certainement pu aider ce qui est une histoire par ailleurs détachée et curieusement superficielle.
En tant que premier film du réalisateur Gareth Edwards après la production difficile de , le cinéaste et l’un des scénaristes de ce film, Chris Weitz, ont essentiellement choisi de refaire les thèmes de Star Wars, à l’américaine. Avec une métaphore pointue et intentionnellement brutale sur les hypocrisies de l’impérialisme américain, l’histoire d’Edwards et Weitz prédit un 21e siècle qui ressemble énormément au 20e, seulement maintenant les GI américains éliminent les IA robotiques et les simulants (pensez aux réplicants) dans le monde. les jungles et les rizières d’Asie du Sud-Est, et les drones qu’ils utilisent ont toute la puissance d’une bombe nucléaire – ou de l’Étoile de la Mort.
C’est une idée audacieuse, aussi grande que la passion du film pour construire une dystopie mondiale peuplée d’IA innocentes et de gouvernements oppressifs. Le niveau obsessionnel d’artisanat exposé pour le réaliser frise le fétichisme. Mais malgré toute cette ambition, le récit auquel cette construction du monde est accrochée est suffisamment confus pour suggérer que personne ne pouvait vraiment comprendre ce qu’il était censé signifier ou ce dont il était censé parler, même dans la salle de montage.
Ils ont décidé de suivre le voyage fracturé de Joshua (John David Washington), un officier d’espionnage américain et véritable partisan de la cause, qui consiste à anéantir toute intelligence artificielle après qu’une IA malveillante ait fait exploser une bombe nucléaire à Los Angeles. Lorsque nous rencontrons Joshua, il est sous couverture depuis des mois dans le pays de la Nouvelle Asie, favorable à l’IA, un paradis d’Asie du Sud-Est qui devrait être aussi menaçant pour l’Occident que l’était le Vietnam dans les années 1960 (lire : pas du tout). Des complications surviennent cependant lorsque sa femme enceinte, la fille d’un nirmati amoureux de l’IA, Maya (Gemma Chan), découvre qu’il est un agent double.
Le couple se sépare brutalement et cinq années s’écoulent. Désormais amer, seul et de plus en plus une machine qu’un homme doté d’un bras synthétique, Joshua est convaincu par un faucon de guerre trop zélé, Allison Janney mâchant le décor dans le rôle du colonel Howell, de se remettre dans la merde. Pour Howell, c’est l’occasion d’utiliser l’ensemble des compétences de Joshua pour trouver l’arme secrète de la Nouvelle Asie, une IA dont on dit qu’elle est si puissante qu’elle fera tomber la source de suprématie mondiale dominante de l’Amérique, une base aérienne flottante (ou Star Destroyer) qui réside dans l’atmosphère. À partir de là, l’enfer peut s’abattre sur n’importe quelle cible dans le monde. Cependant, pour Joshua, la mission est en réalité une chance de retrouver sa femme. Ce que ni l’espion ni son commandant n’attendent, c’est Alphie (Madeleine Tuna Voyles), un simulant de cinq ans qu’ils découvrent derrière les lignes ennemies. Elle a également à peu près le même âge que la fille de Joshua…
est un film que ce critique voulait désespérément aimer. Épopée de science-fiction originale et très audacieuse, qui porte sur ses pochettes ses références, notamment celles de Francis Ford Coppola et de David Lean, le film est une licorne au sein du système hollywoodien des 10 ou 15 dernières années. Il s’agit d’une balançoire à gros budget dirigée par un auteur pour les clôtures. Malheureusement, s’il touche le ballon, c’est comme une faute qui dérive dans les tribunes.
Là où le film fonctionne, c’est dans la pensée claire et méticuleuse qui a permis de développer son paysage infernal. Cela va de petits détails sur la façon dont l’IA a changé les religions des humains 40 ans plus tard, jusqu’aux allusions subtiles qui signalent la domination américaine continue – comme un avenir multimédia faisant écho aux années 1950 qui est revenu dans les années 2050, et que des terres lointaines nous regardons toujours les dessins animés occidentaux célébrant la base aérienne de la mort du gouvernement américain comme s’il s’agissait de rediffusions souscrites de .
Et bien sûr, il y a les personnages IA eux-mêmes. Utilisant un mélange sophistiqué de prothèses pratiques et de CGI subtiles, les crânes exposés de Ken Watanabe et du jeune Voyles, qui à l’arrière révèlent un mélange de métal et de verre pare-balles, sont aussi crédibles que légèrement inquiétants. Pour une certaine catégorie d’aficionados du genre – ceux qui adorent les histoires de science-fiction ou les séries animées uniquement pour leur esthétique et leur style – cela suffira à détourner l’attention du caractère véritablement synthétique du film construit autour de ces personnages.
Les histoires d’IA sympathiques en tant que héros ou victimes, et d’humains en tant qu’oppresseurs sans émotion, sont omniprésentes depuis au moins l’époque de l’une des autres grandes influences de . Cependant, même si nous sommes au bord du précipice, l’IA perturbe enfin notre monde d’une manière dont les gens n’auraient jamais rêvé, mais n’apporte rien d’innovant ou d’engageant à cette table allégorique. Malgré l’engagement intense du film en faveur d’une vraisemblance fondée, nous avons néanmoins un film toujours aussi simpliste que Star Wars ; c’est une histoire sur les gentils rebelles contre l’empire du mal, seul le héros cette fois doit reconnaître qu’il est du mauvais côté.
Ce qui est bien. Cela fait près de 50 ans que George Lucas a détourné le genre de science-fiction du cinéma de l’exploration intellectuelle, en le mettant à la place en mettant l’accent sur l’illumination (ou la manipulation) émotionnelle. Il reste pourtant aussi froidement métallique que l’arrière de la tête de Watanabe, appuyé sur des rythmes d’histoire fatigués sur lesquels il parvient à trébucher à chaque fois. Washington est un acteur qui peut dégager de la chaleur et du charme, regardez sa performance pour en être la preuve. Mais comme avant, il lui impose le chiffre d’un protagoniste, même si c’est pire cette fois-ci car l’éloignement fade de Joshua n’est pas intentionnel.
Le film passe 30 minutes sur la mise en place de la table et les faux départs narratifs tout en essayant pourquoi Joshua est si maussade, mais l’image ne consacre guère une minute à investir un développement significatif de l’affection paternelle entre lui et le robot-enfant qu’il doit finalement décider de protéger. Et tandis que le film bénéficie d’une durée luxueuse de 133 minutes, on sent que les séquences expliquant certains des choix de Joshua, en particulier vers la fin du film, ont été supprimées par commodité. Si tel est le cas, le film est arrivé plus vite à l’arrivée, mais en boitant.
Les histoires sur notre espèce créant une intelligence plus humaine et plus empathique à partir d’objets inanimés ont un attrait évident qui remonte à Mary Shelley. Les humains peuvent être égoïstes, cupides et cruels. Il est certain que si nous pouvions programmer nos héritiers et successeurs, ils seraient enfin à la hauteur des nobles idéaux et aspirations que nous nous sommes fixés et que nous avons ensuite manqués. Parfois, cependant, un grille-pain n’est qu’un grille-pain, et un pleurnichard à intelligence artificielle n’est qu’artificiel. Il n’y a vraiment aucun battement de cœur sous toutes ces cloches et sifflets.
