Le docteur et Belinda atterrissent à Lagos, au Nigéria, où un mystérieux coiffeur tient les gens en otage et utilise leurs histoires à des fins néfastes, dans un épisode poétique et conceptuellement audacieux qui montre très bien comment Doctor Who peut se garder frais et vital à l’avenir.
Il existe de nombreuses façons dont «The Story & the Engine» se sent revigorant. Commençons par le médecin lui-même, et la façon dont l’épisode s’engage avec sa nouvelle apparition. « Lux » a fait une tentative louable, mais légèrement maladroite de faire face à certaines des implications d’un médecin nouvellement non blanc, en particulier comment sa couleur de peau pourrait l’exposer lui et son compagnon à un type de préjudice violent que le personnage n’a jamais eu à rencontrer auparavant. C’est sans doute – et malheureusement – ce que la plupart des téléspectateurs auraient pu attendre de la nouvelle série: une exploration de la façon dont le fait d’être noir pourrait avoir un impact négatif sur les voyages du médecin.
Ce qui est merveilleux dans «The Story & The Engine», c’est qu’il explore la noirceur du médecin comme un positif assez sans ambiguïté. Alors que son explication à Belinda explique pourquoi il aime visiter Lagos à partir d’un aveu qu’il n’est plus le bienvenu dans certaines parties de la Terre, il passe rapidement à la célébration de la façon dont le fait d’être dans ce nouveau corps lui a permis de trouver un type de compagnie – et d’acceptation – que nous n’avons pas vraiment vu embrassé par des incarnations précédentes. Il est intéressant de prendre la scène avec le Time Lord dansant pratiquement sur le marché, d’embrasser, de saluer et de se serrer la main, et de l’imaginer avec un acteur différent. Il y a quelque chose de vaguement Tennant-ish à ce sujet – à juste titre, comme le docteur de Ncuti Gatwa est littéralement né de Tennant – mais dans l’ensemble, il se sent délicieusement spécifique à cette régénération.
À la fin de la première saison de Gatwa, il a été difficile de secouer la préoccupation que le spectacle retenait certains aspects du voyage émotionnel du personnage, avec un retour au dernier de la mélancolie du temps de Time Lords. Non seulement cela se serait senti rassis, mais cela n’aurait pas vraiment de sens avec Gatwa – l’acteur peut certainement faire de l’angoisse, mais sa représentation du médecin est principalement définie par une joie bouillonnante et irrépressible.
Cet épisode parvient à trouver le point où les deux approches se croisent, le médecin exprimant sa solitude fondamentale non pas en se morfondant autour du TARDIS et en entonnant gravement «il y a eu une guerre», mais en se jetant de tout cœur dans la compagnie et la communauté, se liant des amis avec des gens ordinaires et en entendant leurs histoires. Il se sent nouveau, tout en étant quintessentiellement docteur, pleinement dans la lignée de Tom Baker déclarant «Homo sapiens – ce qu’une espèce inventive et invincible» en 1975 (l’hommage du docteur à l’héroïsme quotidien de Belinda est également mesuré par la valeur que vous placez sur une vie, une vie inactive, une vie sans privil. Et cela donne «l’histoire et le moteur» de la viande dramatique, permettant à Gatwa de vendre de manière convaincante à quel point il se sent trahis par Omo, et sa contrition ultérieure pour permettre à cette blessure de l’emporter.
Le paramètre Lagos aide également l’épisode à se sentir frais – et pas seulement visuellement. Cela aurait pu ressembler au tourisme dans le passé, mais il y a une véritable spécificité dans la façon dont la ville est représentée et la culture est cuite dans l’histoire de manière tangible, des lignes jetables sur les personnes qui ne prennent pas de rendez-vous, au rôle particulier que joue le salon de coiffure dans leur vie.
Il vaut la peine de parler ici de l’écrivain Inua Ellams, qui fait une forte impression avec son Doctor Who début. Né au Nigéria, Ellams est un poète et dramaturge très accompli, qui brille dans l’épisode, de la pension réaliste magique conceptuellement riche de l’histoire, jusqu’à ce que le cadre relativement contenu. C’est une sorte de compagnon pour le jeu d’Ellams Barber Shop Chroniclesqui a tissé ensemble des histoires de six salons de coiffure dans six pays différents au cours d’une journée (l’acteur Sule Remi, qui joue OMO ici, est également apparu dans une production théâtrale nationale de la pièce). Dans une interview Guardian en 2020, Ellams a déclaré que «les salons de coiffure, pour les hommes noirs britanniques, sont un endroit sûr et sacré où ils peuvent aller pour se détendre, échapper au racisme et parler librement», une idée puissante et profondément humaniste à explorer dans Doctor Who.
Mais loin d’être un rechapage de ses travaux précédents, Ellams fait du coiffeur intégral de l’histoire, le transformant en un environnement bizarre et menaçant, presque comme un refus d’obéir aux lois de la physique. C’est une inversion fascinante, prenant ce sanctuaire où les hommes peuvent partager librement des histoires et tordre ses qualités positives en quelque chose de plus troublant. Le concept d’un navire propulsé par des histoires, avec un cerveau à l’intérieur d’un cœur en son cœur, propulsé par une araignée géante à travers ce qu’Alan Moore pourrait appeler « Ideaspace », est l’un des locaux les plus délicieusement Batshit que nous ayons eu dans Doctor Whoet les visuels sont somptueux. De la conception de The Spider et du Heart Brain Engine, aux fenêtres qui répondent aux histoires racontées, tout cela a l’air merveilleux et donne à l’épisode sa propre sensation unique.
Aussi délicieusement bananes – et résonnantes – comme tous ces concepts, l’épisode ne réussit pas toujours à les fonder. Les enjeux se sentent parfois un peu abstraits, et au-delà de l’idée facile à servir que ces personnes piégées ont besoin pour rentrer chez elles, il n’est pas totalement clair comment toutes ces grandes idées se fusionnent dans un ensemble de conséquences tangibles. Le coiffeur est brillamment joué par Ariyon Bakare, qui trouve de nombreuses nuances différentes à jouer dans l’un des méchants les plus complexes que la série ait récemment, mais en plus d’être une présence charismatique et imposante, il n’est pas tout à fait clair quelle menace il pose. Nous n’avons jamais une idée des conséquences pour les hommes s’ils refusaient simplement de s’asseoir sur la chaise et de raconter des histoires – la lumière rouge et l’alarme sont un signifiant initial efficace du danger, mais l’épisode ne développe pas la menace au-delà. Nous aurions presque pu faire avec un personnage sacrificiel pour illustrer la menace, bien que cela aurait pu rendre plus difficile de racheter le coiffeur à la fin.
De même, l’idée que la destruction des dieux de la narration causera des dommages catastrophiques à l’humanité est un concept absolument massif que l’épisode prend en quelque sorte comme une donnée, sans vraiment s’y plonger. Nous savons d’après les rencontres du médecin avec le panthéon que les dieux existent dans cet univers sous une forme ou une autre, mais historiquement, le spectacle suggère généralement que les dieux sont des étrangers anciens d’une certaine sorte.
Si l’épisode suggérait que la destruction de la narration, dans un sens plus allégorique, diminuerait l’humanité, ce serait une chose. Mais suggérant que tous ces dieux spécifiques créés par l’homme existent non seulement littéralement, mais que nous sommes si inextricablement liés à nous que leur mort causera un préjudice catastrophique, se sent nouveau pour le spectacle. C’est convaincant en théorie, mais alors que la plupart des grandes idées de l’épisode semblent excitantes et revigorantes, celle-ci a l’impression de soulever quelques questions de trop.
En fin de compte, cependant, je ne vais pas ding un épisode de Doctor Who pour avoir trop d’idées. Ce sont des plaintes mineures, surtout lorsqu’elles sont fixées à quel point l’épisode se réalise, avec à peu près tout ce qui tire sur tous les cylindres, de la direction aux performances (plus un camée du docteur fugitif de Jo Martin pour faire bonne mesure!). Un nouveau angle sur le personnage du médecin, suffisamment de concepts élevés pour alimenter plusieurs histoires, une voix nouvelle et distinctive donnée au règne apparemment libre pour jouer dans l’un des plus grands bacs de sable de la télévision et explorer des thèmes très personnels – tout cela est digne de célébration.
La deuxième ère Russell T Davies a jeté beaucoup d’idées au mur – et rechonné un vieux terrain, bien que sous un angle légèrement différent. Mais « The Story & The Engine », comme « The Devil’s Chord » et « Lux », ressemble à l’émission de 60 ans qui exerce un territoire véritablement nouveau. Quoi avec tous les antécédents inquiétants sur les hiatus, ce genre d’épisodes me rend confiant que le spectacle y a encore de nombreuses années.
Espérons que des décennies!
Doctor Who continue avec «The Interstellar Song Contest» le samedi 17 mai sur BBC One et iPlayer au Royaume-Uni, et sur Disney + dans le monde.
